Qué decir sobre… «Dallas buyers club» (2013)

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Dirección: Jean-Marc Vallée

Guión: Craig Borten, Melisa Wallack

Fotografía: Yves Bélanger

Música: Alexandra Stréliski

Montaje: Martin Prensa, Jean-Marc Vallée

Reparto: Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Steve Zahn, Griffin Dunne

Un nombre en especial sirve como reclamo de esta cinta. Hablamos, cómo no, de Matthew McConaughey, uno de los actores de moda en la actualidad. Si bien muchas veces se le ha colgado el cartel de “ramplón”, lo cierto es que la madurez le ha sentado muy bien a un artista que, no obstante, ha realizado recientemente varios derroches en vano en películas como Killer Joe (2011) o The paperboy (2012). En Mud (2012), en cambio, está formidable. En cualquier caso, desde bien joven ha demostrado ser un artista notable (a la par que minusvalorado), y ahí está su extensa filmografía para atestiguarlo.

A lo que vamos, Dallas buyers club (2013) me parece una buena película. Destaca principalmente, como hemos dicho, por el nivel interpretativo que nos expone. El coloso es McConaughey, quien realiza una inmersión total y absoluta en su personaje, Woodroof. No es fácil ponerse en el pellejo de un estoico luchador, de un enfermo de sida, de un vaquero desamparado. Físicamente el actor arriesga, increíble su mutación. Interioriza, además, el volcán que acompaña a su personaje y le da un punto, entre sentimental y épico, que bien le hace merecedor de los reconocimientos que está obteniendo.

No lejos de él encontramos al polifacético Jared Leto, un tipo al que tenía -no sé muy bien el porqué- un tanto atragantado, pero frente al que no me queda más remedio que quitarme el sombrero. Puede que sea, aunque en el escalafón de secundario, la mejor interpretación masculina (paradoja total) de la temporada. La situación que vive es dura, desgarradora. Y lo humaniza con naturalidad, clarificando una emotividad difícil de transmitir.

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Pero oye, no solo hay actores en esta cinta. También tenemos una historia resultona cuyo punto de mira se centra en el VIH. Así, la película arrastra consigo no solo la terrible condena de vivir junto a esta asquerosa compañía, sino que también pone sobre el tapete aspectos como las miserias morales del negocio farmacéutico, la ética en la medicina y una especie de pillería vitalista en la que brillan con luz propia nuestros protagonistas.

En resumen, el canadiense Jean-Marc Vallée ha conseguido componer un notable relato que cautiva nuestra atención. Le falta a la historia, eso sí, un punto más de grandeza y ambición. En todo caso (y como idea básica), destacar la buena labor del cineasta para explotar las cualidades interpretativas de sus actores. Lo dicho, buena película.

7.5/10              

Qué decir sobre… «Gravity» (2013)

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Dirección: Alfonso Cuarón

Guión: Alfonso Cuarón, Jonás Cuarón

Fotografía: Emmanuel Lubezki

Música: Steven Price

Montaje: Alfonso Cuarón, Mark Sanger

Reparto: Sandra Bullock, George Clooney

Hacía mucho tiempo que Alfonso Cuarón no aparecía por las salas de cine. Concretamente, nadie había sabido de él desde que estrenara, allá por el 2006, la escalofriante Hijos de los hombres, película que confirmaba no solo el talento del cineasta mexicano, ya percibido en Y tu mamá también (2001), sino también su ambivalencia en cuanto a moverse en distintos géneros como pez en el agua.

Bien, dicho esto, Gravity me parece una aventura espacial trepidante. Sirve para contrastar definitivamente todo lo recalcado anteriormente. El poderío narrativo de Cuarón, tremendo, se apoya en un derroche técnico asombroso. Un lujo, pues todo queda engalanado maravillosamente. Desde la fotografía al montaje pasando por los efectos visuales y sonoros. Imposible ponerle un pero a la cinta en este sentido. Además, el guión es sólido. La originalidad de su propuesta deriva en un agobiante “paseo dominical” por el espacio que terminará por atrapar nuestra atención.

Sandra Bullock realiza, de largo, la mejor interpretación de su carrera. Es difícil superar el sentimiento que desprende a través de esta astronauta varada en mitad del espacio exterior. La emotividad que consigue transmitir en una escena concreta del film (no diremos cuál por no caer en el spoiler) es tal, que solo por eso ya merece la pena el visionado de esta película. No está nada mal, a su vez, George Clooney, pues su presencia en pantalla es un absoluto regalo. Ni le sobra ni le falta un segundo en pantalla o un diálogo pronunciado. Personaje mostrado en su justa medida, indispensable en este relato.

Una historia cautivadora. La quietud se entremezcla con la tensión de un modo magistral. El autor, Alfonso Cuarón, consigue pincelar un lienzo tan vitalista y fantástico como emotivo.

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8.5/10       

Qué decir sobre… «Le passé» (2013)

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Dirección: Asghar Farhadi

Guión: Asghar Farhadi

Fotografía: Mahmoud Kalari

Música: Evgueni Galperine, Youli Galperine

Montaje: Juliette Welfling

Reparto: Bérénice Bejo,  Ali Mosaffa, Tahar Rahim, Pauline Burlet

En la periferia parisina se ubica la historia que aquí nos ocupa, Le passé (2013). La chispa que enciende la trama es la vuelta a la capital francesa de Ahmad, un hombre iraní que vuelve para firmar los papeles del divorcio que lo desligarán definitivamente de Marie. Así, un hecho tan sencillo como una simple firma abrirá este relato familiar elaborado por Asghar Farhadi, un cineasta al que no conocía a pesar de que con su anterior film, Nader y Simin, una separación (2011), había conquistado a crítica y público, cosechando un montón de premios y galardones importantes. 

Ahmad, Marie, Samir, Lucie. Cuatro nombres, cuatro personas, cuatro pasados. Un reencuentro, compartir espacio y tiempo de nuevo. Una explosión de sentimientos, contradicciones y recuerdos. El cineasta nos sumerge así en un relato amargo en el que la mezcolanza sentimental invade todos y cada uno de los resquicios de su metraje. Dicen que es mejor dejar el pasado donde está, pero para nuestros protagonistas eso resultará muy difícil.

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Cosas que no se olvidan. Frustración, impotencia al recordar lo que pudo haber sido. Deseos enfrentados, contrapuestos. Un presente que asfixia. Y tensión, mala sangre. Con absoluta armonía, el cineasta desgaja las penas de estas almas errantes y nos las muestra de un modo tan humano como creíble. Ayuda, por supuesto, el fabuloso trabajo realizado por el reparto protagonista: desde la inmensidad de Bérénice Bejo a la desolación que consigue humanizar una debutante como Pauline Burlet, sin olvidar la amarga quietud que transmite Ali Mosaffa.  

Le passé es una historia muy poderosa, intensa. El dramatismo que esconde en su interior se nos impregna de un modo tan sutil que casi no nos damos cuenta de la cruenta batalla sentimental que acabamos de presenciar. 

8/10

Qué decir sobre… «La vie d’Adèle» (2013)

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Dirección: Abdellatif Kechiche

Guión: Abdellatif Kechiche, Ghalya Lacroix (Novela gráfica: Julie Maroh)

Fotografía: Sofian El Fani

Música: Varios

Reparto: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche, Mona Walravens

Basándose en el material que ofrece la novela gráfica de Julie Maroh, Le bleu est une couleur chaude (2010), el cineasta tunecino Abdellatif Kechiche consigue elaborar una emotiva adaptación para la gran pantalla que, en cierto modo, ha terminado por ser la principal sensación de la temporada, con el empuje que da salir victoriosa de un festival de cine tan importante como es el de Cannes. 

El relato es, en esencia, una inmensa odisea sentimental. Esta ya se palpa en la magnitud que lleva implícita el título de la película: La vie d’Adèle. Todo se centra en torno a la figura de Adèle, una adolescente que todavía anda confusa, aleteando desorientada hacia un mundo, el sexual y sentimental, en el que no termina de ubicarse. Imposible no mencionar, por cierto, a Adèle Exarchopoulos, nuestra protagonista. Lo hace, en líneas generales, muy bien. Resulta creíble su deriva sentimental, su sonrisa de felicidad y sus lágrimas de desconsuelo. Igual (o mejor) que ella está Léa Seydoux, esa cautivadora chica del pelo azul.  

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La primera impresión que tengo al terminar de ver la película es extraña. Me ha gustado la cinta francesa, sí. El poder de seducción de la misma es colosal. Sin embargo, pura contradicción, también me ha resultado tediosa y redundante por momentos. Tiene un metraje excesivamente largo que, para mi gusto, lastra la calidad general del film. Cierto es que posee escenas vibrantes, intensas (sobre todo, los últimos treinta minutos). Momentos apabullantes. Ando intrigado al principio y al final de la narración. Pero, en contraste, mi atención se distrae durante el núcleo central de la misma. 

Casi todo los años sucede que se estrena una película a la que todo el mundo alaba. Si eres de las personas a las que le ha gustado esta historia, no te preocupes, estás en el bando ganador. Inflada por la crítica y con el beneplácito del público, lo cierto es que esperaba algo más de ella. Dentro del género romántico, se han elaborado historias mucho mejores. En cualquier caso, se podría decir que La vie d’Adèle es un relato irregular, tan apasionante, bonito y emotivo como rutinario. Lo dicho, pura contradicción.

7.5/10    

Qué decir sobre… «Jagten» (2012)

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Dirección: Thomas Vinterberg

Guión: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Música: Nikolaj Egelund

Reparto: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Alexandra Rapaport 

A Lucas la vida no le marcha del todo mal. Recién divorciado, rehace su vida entre la rutina que le ofrece su trabajo como profesor y la compañía de sus amigos. Además, parece que su hijo tiene el deseo de vivir junto a su padre, lo cual alegra bastante a Lucas. Todo cambiará un mal día, cuando una absurda anécdota desemboque en un auténtico infierno terrenal para nuestro protagonista.   

Película desagradable de ver, sensación que ensalza las buenas cualidades narrativas de Thomas Vinterberg. Es decir, el cineasta danés consigue su propósito principal: hacernos pasar un mal rato. Además, ya puesto, abre el interrogante sobre cuán estúpidos e irracionales podemos llegar a ser en determinadas circunstancias. La historia reflexiona así sobre las prácticas sociales en general, ahondando psicológicamente en la actitud y conducta de los habitantes de un pequeño pueblo nórdico. Todo conduce a pincelar un paisaje violento, agreste, terrorífico.   

Una caza verdadera. El relato posee brío suficiente como para enclaustrarnos en esa atmósfera enfermiza, repleta de locura y desquicio. Ayuda lo suyo la interpretación de Mads Mikkelsen, un actor sublime que humaniza en Jagten todo el horror y desesperación que supone enfrentarse a tan demencial situación. 

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8/10  

Qué decir sobre… «Blue Jasmine» (2013)

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Dirección: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Música: Varios

Reparto: Cate Blanchett, Sally Hawkins, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard, Bobby Cannavale 

Fuente inagotable de talento. Un vicio de auténtico escándalo. La creatividad e inventiva de Woody Allen, uno de los nombres mayúsculos del séptimo arte, parece no encontrar límite. No le cansa el trabajo, poco le importa la edad. Fiel a su tradición de estrenar cinta cada año consecutivo, el 2013 nos dejaba Blue Jasmine.

Es difícil saber si el cineasta neoyorquino pensaba en alguien en concreto cuando escribió el guión de la película. Si no fue así, la verdad, conviene ensalzar el gran trabajo de casting, pues Cate Blanchett, sensacional actriz en plena madurez artística, realiza la que podría ser la mejor interpretación de su carrera. El papel de protagonista, dando vida a la castigada Jasmine, era un regalo caído de los cielos, sí, pero había que aprovecharlo. Un gustazo ver la exhibición de la artista australiana en esta película. 

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Sobre ella recae el peso principal de la historia. Una historia humana, veraz y creíble. Todo comienza con la llegada de Jasmine a San Francisco. Con la intención de reconstruir su vida, partiendo de cero, se instala en la modesta casa de su hermana. Pero claro, todo el mundo tiene un pasado con el que lidiar. Y el de Jasmine se mueve al compás de la canción Blue moon, con la alargada sombra de su lujosa vida en Manhattan, con fantasmas en forma de reproches, lamentos e insidias que la enjaulan en un pasado dramático. ¿Podrá nuestra entrañable protagonista tomar las riendas de su nueva vida? 

Un drama urbano admirable, mostrado sin estridencias ni excesos. Es la belleza de lo hiriente, plasmada con tacto en cada una de las piezas que conforman esta película. Elegante y sutil, aquí tienen la historia de Jasmine.

7.5/10  

Qué decir sobre… «Primos» (2011)

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Dirección: Daniel Sánchez Arévalo

Guión: Daniel Sánchez Arévalo

Fotografía: Juan Carlos Gómez

Música: Julio de la Rosa

Reparto: Quim Gutiérrez, Raul Arévalo, Adrián Lastra, Inma Cuesta, Antonio de la Torre, Clara Lago

Hasta la fecha tan solo conocía a Daniel Sánchez Arévalo por su primer trabajo, Azuloscurocasinegro (2006). Aquella era una película sentimental, muy singular, que daba fe de las cualidades que ostentaba el cineasta madrileño. La crítica lo aupó a los cielos, quizás un tanto en exceso, y su forma de hacer cine caló hondo entre la juventud. 

En Primos (2011) desaparece el tono dramático con el que el autor había pincelado a su ópera prima. La historia, sentimental de igual manera, se enreda ahora entre los brazos de la comedia. Una comedia, por cierto, muy bien relatada, tejida con ingenio y, por qué no decirlo, brindándonos el gusto de poder soltar más de una  (y de dos, y de tres) carcajada espontánea.

La troupe que acompaña a Sánchez Arévalo lo hace muy bien. Tanto Raúl Arévalo como Antonio de la Torre me parecen dos actores excepcionales. Quim Gutiérrez, en cambio, anda un paso por detrás de aquellos, como ya sucediera en la película de 2006. Su interpretación no está mal, cierto, pero termina por cansarme la pose adoptada, los tics a los que recurre y, en general, lo redundante de su expresividad. Del resto, destacar a Inma Cuesta, una actriz que sin hacer mucho ruido, está trabajando muy bien. 

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La historia de estos primos que, por circunstancias de la vida, deciden volver alocadamente al pueblo donde veraneaban en su infancia, Comillas, me parece un retrato fresco, original y divertido sobre la juventud y el amor. En este sentido, los diálogos son fabulosos; los personajes están bien pulidos; y las situaciones brindadas están muy conseguidas y resultan creíbles.

En resumen, un relato que no tiene desperdicio alguno. El cineasta nos mueve hacia lugares comunes, conocidos por todos, y lo hace con gracia, espontaneidad y un punto gamberro que terminan por convertir a Primos en una espléndida comedia.

7.5/10 

Qué decir sobre… «La grande bellezza» (2013)

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Dirección: Paolo Sorrentino

Guión: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello

Fotografía: Luca Bigazzi

Música: Lele Marchitelli

Reparto: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Serena Grandi

Quando, da giovane, mi chiedevano: cosa c’è di più bello nella vita? E tutti rispondevano: “la fessa!”, io solo rispondevo: “l’odore delle case dei vecchi”. Ero condannato alla sensibilità!“.

Me ha sorprendido para bien, he de reconocerlo, la película que aquí nos ocupa. No conocía al cineasta en cuestión; una institución, por cierto, en Italia. Nunca había visto ninguna de sus películas. Pero aquí está el último trabajo de Paolo Sorrentino, La grande belleza, un fresco pincelado con ironía, esbozando un paisaje, a mi entender, desolador sobre los excesos de la clase pudiente italiana. 

Todo gira en torno a Jep Gambardella, hombre adinerado. Un burgués afincado desde los 26 años en Roma, una ciudad a la que, sin duda, ama. En su juventud destacó por una espectacular obra literaria que lo aupó al estrellato y a la fama. Luego, vino el fasto, el acomodamiento y la búsqueda de esa gran belleza que le brindara inspiración para volver a escribir. Jamás volvió a arrugar un papel, tampoco se manchó de tinta. Logró, sin embargo, como se había propuesto desde bien joven, salir de la mediocridad. Era un tipo mundano, sí. Pero no sería simplemente un mundano más, sino que se convertiría en el “Rey de los mundanos”, propósito existencial a aplaudir.

Da cierto pavor, incluso grima -diría yo-, presenciar la galería de personajes propuesta por Paolo Sorrentino en esta magna película. La fauna, como nos cuentan, es rica y variada en matices. De todo hay. Suficiente material para diseccionar con fino pulso las desventuras que acompañan a la clase alta de la ciudad de Roma. Esta ciudad, tan elegante y sutil, brinda un marco idóneo para encajar un relato brillante, inteligente y preciso con el que, además de rendir un precioso homenaje a la Ciudad Eterna, atestiguar, cual capítulo de un manual de historia, la cotidianidad de los infelices y desgraciados que allí habitan.

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Los diálogos son fabulosos, lo mejor del film para mi gusto. El trabajo de fotografía de Luca Bigazzi no requiere de presentación. Además, Toni Servillo, actor protagonista, despierta nuestra empatía desde la primera escena en la que está presente. Y, fundamental, el hermoso poderío narrativo del cineasta nos sumerge, apoyado en la espléndida partitura de Lele Marchitelli, en los entresijos de la vida que nos muestra, generalmente en tono amargo, este mordaz y cínico relato con el que nos ha cautivado Paolo Sorrentino. 

Una obra, en resumen, elaborada en base a un preciosismo difícil de encontrar hoy en día y que termina por germinar en una historia tan abrumadora como preciosa.  

8.5/10 

Qué decir sobre… «All is lost» (2013)

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Dirección: J.C. Chandor

Guión: J.C. Chandor

Fotografía: Frank G. DeMarco

Música: Alex Ebert

Reparto: Robert Redford

Es difícil narrar una película como All is lost, donde tan solo encontramos a un hombre, un velero y la inmensidad del océano Índico. No hay diálogos. Tampoco reflexiones, a excepción de los minutos iniciales. La narración, podría decirse, es acaparada en su totalidad por Robert Redford, veterano actor que asume aquí todo el peso del film.

Con todo, la historia propuesta por J.C. Chandor, cineasta joven y con buenas referencias por su película Margin call (2011), no resulta, en ningún momento, aburrida. Eso sí, tampoco es la alegría de la huerta. El relato se halla, digamos, en un punto intermedio, donde la narrativa se torna tranquila, quieta y lenta. Fundamental me parece, más aún en una película en la que apenas se habla, la conseguida banda sonora compuesta por Alex Ebert.    

En resumen, esta historia consigue despertar nuestra empatía hacia ese pobre desgraciado que vive su particular odisea marina. Ello lo hace con oficio y solvencia, pero sin brillo ni emoción. Correcta. 

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6.5/10

Qué decir sobre… «Rush» (2013)

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Dirección: Ron Howard

Guión: Peter Morgan

Fotografía: Anthony Dod Mantle

Música: Hans Zimmer

Reparto: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Alexandra Maria Lara, Olivia Wilde

No importa si no les gusta la Fómula 1 para ver la película que aquí nos ocupa. A mí tampoco me apasiona, de hecho me aburre. Pero conviene reconocer que la historia contada por Ron Howard, más allá del apasionamiento que uno le tenga al mundo del motor, tiene un tono universal que adapta Rush (2013) a todos los públicos.

En el fondo, es la historia de una rivalidad. Sin más. Podría haber sido el esquí, la natación o el hockey. Qué más dará, pues la enfermiza competencia existente durante la temporada de 1976 entre Niki Lauda, piloto austriaco al volante de un Ferrari, y James Hunt, británico de McLaren, ha sucedido en infinidad de ocasiones, con los matices oportunos, en el mundo del deporte (o de la vida en general). Sin irnos muy lejos, el propio guionista del film, Peter Morgan, ya había dado forma de manera solvente a dos relatos muy similares en contenido y mensaje a Rush: el combate ofrecido en Frost/Nixon (2008) y la mítica batalla plasmada en The Damned United (2009). 

Siempre son agradecidas de ver películas que se sumergen en los entresijos del deporte. Esta, en concreto, está muy bien contada por Ron Howard, un cineasta muy cumplidor y eficaz. Sabe manejar los tiempos, transmitir la tensión que envuelve al relato y enredarnos, en definitiva, en la trepidante telaraña en la que se convierte este mano a mano entre dos poderosos actores.

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Ellos son Daniel Brühl y Chris Hemsworth, quienes lo hacen muy bien. Son la clave de bóveda del film, y responden a las mil maravillas. Interiorizan la idiosincrasia de sus personajes, explicitan las diferencias entre ambos y se regocijan cuando llega el momento de buscar el cuerpo a cuerpo. Todo, en resumen, conforma un paisaje de puro entretenimiento para el espectador que rinde tributo, en esencia, a los populares pilotos en cuestión.

7/10